Project 45
The Birds Sang Until the Sky Broke
Comisariada por Julia Cella, con obras de Ali Arévalo, Sangre de María, Lotte Frances, Annika Sunne, Lisa Vander Plaetse y Julia Cella.
Del 13 de junio al 31 de julio, inauguración el viernes 13 de junio a partir de las 19h, en parte de Art Nou 2025
The Birds Sang Until the Sky Broke da vida a una utopía fantástica, sagrada y queer, hogar de un mundo donde la alegría abraza al sufrimiento, donde el amor y el trauma se entrelazan. A través de una narrativa no lineal y rica en capas, les artistes manifiestan un mundo fugaz propio, un santuario efímero que recibe con los brazos abiertos a todos los que lo pisan.
Las obras tienen detrás un trasfondo del pasado—de heridas y sabiduría—que revela cómo las historias entramadas alimentan la imaginación radical. The Birds Sang Until the Sky Broke se convierte en un lugar de exaltación, aunque no exento de ecos espectrales. Alegría y sufrimiento, pasado y presente, destrucción y renacimiento, todo coexiste en este espacio sagrado.
Esta exposición es una invitación: a entrar en una utopía queer donde la comunidad es a la vez refugio y revolución, donde el arte reclama y reimagina, y donde el acto de contar historias se convierte en un acto de transformación divina.
Ali Arévalo es artista, investigadore y docente. Es graduade en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y la ABK Stuttgart y Máster en Historia del Arte Contemporáneo por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y la UCM. Actualmente desarrolla una tesis doctoral en la Universitat de Barcelona y forma parte del grupo de investigación Tiempha, centrado en el análisis de la idea de tiempo frente a un mundo herido. Es residente en Hangar (Barcelona).
Su práctica fabula futuros no binarios, queer e interespecie en alianza con la tecnología. Genera arqueologías temporales que conectan pasados y futuros, creando mundos de fantasía como una herramienta emancipadora para la disidencia. Así, construye universos que toman forma de relatos sonoros, performativos, audiovisuales, textuales y escultóricos. Un ejercicio de imaginación vertebra y desmiembra su trabajo para vislumbrar tiempos que se retuercen en temporalidades no lineales.
Ali trabaja con la fragilidad de los materiales y explora biomateriales que evocan costras, pieles y fragmentos vivos: criaturas híbridas y pegajosas. A través de ellas, aborda la vulnerabilidad y mutabilidad de los cuerpos. En su trabajo se despliega un imaginario de transformaciones, puertas, umbrales, llaves e hibridaciones fantásticas que nos llevan a soñar otros mundos. Algunas de sus obras se difuminan y desaparecen; otras permanecen como ecos y rastros en la memoria.
Julia Cella es una artista multidisciplinar y narradora afincada en Barcelona. Su práctica conjura un espacio simbólico en el que las historias de dolor y belleza se desarrollan en tándem, donde personajes construidos y paisajes míticos navegan temas de trauma, transformación e identidad.
Julia crea mundos utópicos basados en narrativas queer emocionalmente cargadas y en la experimentación material. Combinando abstracción y figuración, ella narra historias envolventes utilizando materiales como pelo real y sintético, cuero, objetos encontrados y pintura.
La narrativa visual de Julia difumina los límites entre la ficción y la memoria, ofreciendo retratos íntimos de seres de otro mundo–en parte diosas, en parte fantasmas–que reflejan la complejidad y resistencia de la experiencia queer, y que dan a luz un espacio sagrado donde la alegría contiene al sufrimiento, la creación surge de la destrucción y donde convergen historias emocionales y materiales.
Sangre de Maria es una artista, narradora y productora revolucionaria afincada en Barcelona. Ilustra cuentos a través de sus canciones cinemáticas creando universos inmersivos inspirados en música de todo el mundo y en particular, en la de los últimos 50 años. Sangre experimenta con texturas modernas que bailan con sonidos vintage.
La belleza embrujada de sus lentas canciones contrasta con caídas de ritmo inesperadas. Aunque sus cuentos presumen de un aire encantado y juguetón, Sangre interpola mensajes políticamente profundos. Sonoros collages de tambores, sintetizadores, muestras de antiguas canciones y discursos, y mensajes sobre la política y la historia, abren un rítmico diálogo entre el pasado, el presente y el futuro. Este eclecticismo hace que su música, como elle, socave las expectativas tradicionales de género.
En su primer álbum, EL PRIMER GOLPE, Sangre, como La Valeriana, explora por primera vez el abstracto personaje de Valeria: bruja, divina, revolucionaria.
Lotte Frances es un artista emergente que vive y trabaja en Wurundjeri Woi Wurrung Country (Melbourne, Australia). La obra de Lotte ahonda en las complejas y polifacéticas dimensiones de la identidad queer, la duda sobre uno mismo y la memoria. A través de la pintura, estas emociones se transmiten en un lenguaje visual distintivo que es a la vez lúdico y vulnerable.
Las obras de Lotte se nutren de sus reflexiones escritas; las palabras elegidas dan forma a los trazos y marcas dentro de las pinturas. La yuxtaposición de fuerza y fragilidad, lo familiar y lo extraño, y la interacción entre experiencias internas y externas son temas centrales de su obra. Lotte es licenciade en Bellas Artes con honores por la Universidad RMIT (2020). Lotte ha expuesto a nivel local e internacional, incluyendo Bundoora Homestead Art Centre, Canberra Contemporary Art Space, Laid Bug en Tokio, Filet en Londres, La Place Artspace en Barcelona y ha publicado dos libros de artista a través de Stray Pages Press.
Lotte fue el ganador del Bundoora Homestead Art Centre Award y del Deans Award for Excellence - 2020 RMIT Honours Graduate Exposición.
Matuta crea artefactos que cuentan historias a través de la intersección de contextos culturales, activos digitales y el cuerpo humano. Estos artefactos sirven como vasos interminables de resistencia, permitiendo a los participantes y protagonistas encarnar múltiples y únicas facetas tanto de autenticidad como de fantasía.
Matuta nace del rechazo a conformarse, negando el papel predeterminado de un diseñador formado por definiciones heteronormativas de identidad y una larga historia de industrialización colonial.
Su objetivo es volver a situar la vulnerabilidad y la autoexploración en el centro de sus procesos de diseño. El uso de la realidad virtual y la impresión en 3D les permite producir piezas hiperexpresivas al margen de los procesos tradicionales de diseño y desarrollo, manteniéndose más cerca de sí mismos y de las corrientes sociales de los terrenos que habitan.
Annika Sunne (Elle/Ella), transexual no binarie, nacide en Ciudad de México el 29 de abril de 1998, de una madre española bruja y un padre mexicano taxista. Es diseñadore y artista emocional, actualmente con residencia en Barcelona.
Su trabajo aborda de manera tridimensional, performática y en forma de collage temas como el género, el amor, la infancia y las contraposiciones identitarias y emocionales que le atraviesan.
Haciendo uso del recuerdo y los sentimientos como principal recurso creativo, impregna su obra de sensaciones intangibles donde el textil, el metal y la fotografía junto a un sin fin de objetos de descarte, se gestan y construyen ecosistemas simbióticos que proponen nuevas abstracciones visuales.